Du 30 mai au 09 juillet 2015
Vernissage le samedi 30 mai
Avec Samuel Martin, The Kid, Léo Dorfner, Matthieu Martin, Anne De Nanteuil, Adrien Belgrand, Jérémie Amigo, Florence Obrecht, Andoni Maillard, Jean-Baptiste Perrot, Joël Hubaut, Anahita Bathaie, Anouck Durand Gasselin, Julien Gorgeart, Timothée Schelstraete et Michal Mráz.
À travers ses œuvres, Michal Mráz mélange savamment le monde de la culture street art et l’art majeur, la peinture. On retrouve cette approche dans la technique – une combinaison de peinture traditionnelle à l’huile et l’acrylique, avec l’utilisation de bombe appliquée au pochoir. Son travail est hybride tant d’un point de vue formel que thématique, mélangeant souvent des éléments incongrus pour former un tout, caractérisé par une narration à multiples niveaux. L’intensité de son travail repose dans l’impact simultané d’un ensemble de composition et sur l’observation du regardant qui sans relâche erre d’un motif à l’autre sans parvenir à se poser. Cette sorte d’incertitude interne liée à l’impossibilité de saisir une réalité saturée, sorte de bruit visuel, fait référence aux thèmes présents dans la peinture de Mráz; la déconstruction, reconstruction d’une société, une certaine fascination de la mondialisation, le contrôle d’individu tout autant dans la sphère publique que la sphère privée, démontre une réflexion critique de l’état de la société.
Jean-Baptiste Perrot expérimente un nouveau protocole pour produire ses « Traces de famille », dont la facture et le sujet demeurent singuliers. Les œuvres sont le fruit d’un laborieux et précis travail d’enfilage de milliers de perles sur fil, contrecollées sur aluminium, qui reconstituent les unes sous les autres des images photographiques tirées de l’album de famille de l’artiste. Mais ces représentations de scènes banales sont faussées. Les perles de verre, comme autant de pixels lumineux, composent des images déliées, floues, déformées, offrant la séduction trouble des mauvaises transmissions télévisées ou de la vidéosurveillance tendance low-tech, comme diffusées du lointain. Fatigue du signal depuis l’émetteur. Grésillement visuel. Ce traitement particulier, à travers des gammes de couleur proches de la bichromie, rappelle les motifs mouvants de l’art cinétique, et plus loin, l’impressionnisme et le pointillisme en peinture. Images tramées, diffuses, hypnotiques, qui fascinent – comme la télévision – par une sorte de massage de l’œil, et procèdent d’un fourmillement instable et dynamique à l’intérieur du cadre.
Florence Obrecht aime à parer ses modèles, les vêtir et les mettre en scène pour les peindre, renouant avec les traditions des portraits en pied. Car si sa peinture est parade, c’est qu’elle est nécessairement travestissement de la triviale réalité. Les figures sont là, face à nous, interdites dans leur mutisme et leur frontalité. La jeunesse féminine, sujet principal de ses œuvres, est dotée d’un regard et d’une attitude absente, affichant toujours une sensualité déroutante. Dans son œuvre tout reste énigme: soyons attentifs aux différents détails pour déceler les anachronismes qui fournissent à sa peinture une subtilité où l’innocence, le rêve, la réalité et ses méandres prennent forme; une certaine et évidente violence apparaît ainsi au regard du spectateur.
Les aquarelles de Julien Gorgeart semblent témoigner du monde contemporain, celui dans lequel l’artiste et le regardeur évoluent. Il figure la banalité du quotidien peuplé de fêtes dans les salons, de virées nocturnes entre amis, de paysages urbains et de natures mortes intimes. Malgré les apparences hyperréalistes, Julien Gorgeart est un peintre du simulacre. Au pinceau, il traduit le monde réel afin d’ouvrir des perspectives narratives et cinématographiques. Avec une fidélité de type photographique, ses œuvres représentent des scènes de vies quotidiennes. Pourtant, la réalité n’y est qu’illusion, simulation et réactivation. Issues de sa propre expérience, de celles de ses proches ou d’inconnus, les images subissent un véritable travail de montage.
Les pièces de Matthieu Martin opposent, au premier abord, une résistance au regard. À la limite du visible, ses sculptures, photographies, peintures et vidéos dénotent une volonté d’économie plastique: le plan d’un socle s’incline imperceptiblement, une bande adhésive vient contraire l’espace, cette pierre montée sur roulettes se réfère à l’histoire de l’art; champ élargi de la sculpture et de ses déplacements, ici au sens propre comme au figuré. À défaut d’utiliser, Matthieu transforme et capte l’esthétisme d’objets ou de traces quotidiennes.
Timothée Schelstraete peint des images extraites de son environnement pour créer une collection, une sorte d’atlas pictural et ainsi, sa propre réalité. Les correspondances des formes fragmentaires s’imposent à lui comme une constellation. Filtrée, recadrée, l’image travaille alors le hors-champ.
Les séries de Samuel Martin retournent les stéréotypes liés à notre réel. La volonté plastique de Samuel Martin de désérotiser la nudité, ce nu « naked » qui montre le nu de manière chirugicale comme dérangeant. Le retour à la génèse est présent; face à un montage de genre, l’association des plans apporte un côté grotesque à la situation. Au-delà de l’impression première d’une captation photographique, le dessin de Samuel Martin, de par sa technicité, révèle une image de l’optimisme à « l’état pur ». Mis en scène dans des évènements catastrophiques (accidents, incendie…) ou inattendus (pique-nique), ce grotesque emprunt d’optimisme définit en partie l’œuvre de Samuel Martin, celle-là même qui l’amène à souhaiter la déstabilisation du spectateur face au dessin, sujet et genre.
Adrien Belgrand est ce que l’on nommerait un peintre de son temps. Il se sert de la peinture pour documenter le temps présent et décrit la vie contemporaine pour en montrer la permanence. Les cadrages, les perspectives, les représentations d’un temps suspendu, d’une contemplation immobile, amènent à fixer le regard sur une banalité du quotidien pour en dégager de la poésie. Et au-delà de ponctuations matérielles de ces lieux du plein, de surcharge, d’excitation, de ces instantanés de la vie quotidienne, Adrien décrit, dans ses nouvelles natures mortes contemporaines, la présence humaine. On trouve alors une peinture maitrisée, séductrice qui nous transporte dans une atmosphère quotidienne sublimée où nous sommes interpellés, devenons rêveurs voir gourmands.
Jérémie Amigo est un jeune artiste qui questionne la gravure et les images dites miniatures qui font indéniablement penser à l’univers des oeuvres de Jérôme Bosch. Des micro narrations se déroulent à l’intérieur même d’une scène globale. Chaque détail à son importance, au travers de scènes tour à tour ironiques, poétiques, dramatiques voir burlesques. Mélange de symboles et rituels ancestraux modernisés à travers des scènes de genre contemporaines, les dessins de Jérémie Amigo révèlent une part de la nature profonde et intemporelle de l’humanité. Entre présent et passé, l’adaptation de l ‘homme ainsi que ses limites dans un environnement prédéfini est dessiné.
Les œuvres de Léo Dorfner sont une relecture des images classiques, accentuées et vandalisées sur l’autel d’une religion théorique vouant un culte à la culture pop et rock’n’roll. Les figures humaines, représentées dans un espace neutre, sont en général affublées de tatouages sur des thèmes divins. L’écart formel entre la représentation illustrative des corps et l’ajout de texte (typographie, logo et dessin) sur la peau et l’espace de la peinture, accentue l’aspect iconoclaste et provocateur des œuvres. L’espace pictural devient alors le champ d’expérimentation plastique et littéraire.
The Kid
Travaillant depuis quelques années sur le thème du déterminisme social à travers les bas fonds de l’Amérique profonde, son jeune âge se dérobe sous ses dessins aux dimensions impressionnantes, où un plongeon dans la violence laisse échapper une obsession de la fragilité. De la scène de genre, l’émotion est palpable. De cette fixation de la métaphore de Peter Pan au fusain face à cette consommation.
